Cuéntame un poco sobre tu trayectoria musical, ¿cómo te iniciaste en la música?
Creo que el comienzo de mi viaje musical honestamente empieza con mis padres. Durante años, mientras crecía en el oeste de Kentucky, viajábamos cada verano para visitar a mis abuelos en Uniontown, Pensilvania, que está a unos 45 minutos de Pittsburgh.
En el trayecto, mi mamá escuchaba todos los clásicos. Y cuando digo clásicos, me refiero a música de los años 50, 60 y 70; desde la época en que era niña, pasando por los 60 cuando estaba en la universidad y después, y esa música era predominantemente, la música de Motown.
Por otro lado, con mi padre escuchábamos mucho Delta Blues y música folk. Un día descubrí una grabación de Tchaikovsky y quedé completamente cautivado. Por supuesto, incluía la "Obertura 1812" y "Marche Slave"; fue algo realmente increíble.
Eso, sumado a que crecí en Kentucky, donde la Orquesta de Louisville realizaba giras por todo el estado y ofrecía conciertos juveniles. Ver esos conciertos cuando estaba en la primaria fue algo muy valioso, porque era algo nuevo y único. A partir de ahí, desarrollé este amor por la música y me inscribí en la banda. Recuerdo que en sexto grado en la clase de banda todos estaban probando instrumentos y yo pensé: "Ok, quiero tocar el saxofón". Pero escuché un sonido desde el otro lado del salón, miré y había tres chicas probando el clarinete; pensé: "Vaya, ese es un sonido es realmente hermoso". Fui con mi director de banda y le dije: "Creo que quiero tocar eso". Pasé unas semanas aprendiendo lo básico del clarinete. Luego conocí a un estudiante de octavo grado.
Recuerdo haberlo escuchado tocar el clarinete bajo y pensé: "Eso está genial. Tengo que tocar eso". Así que me cambié al clarinete bajo. Para no alargar la historia, estuve en la secundaria y la preparatoria participando en bandas de honor, All-State y bandas de marcha, pero nunca tuve la oportunidad de tocar en una orquesta hasta que llegué a la universidad.
Una vez que toqué en una orquesta universitaria, quedé enganchado. Desde que empecé a tocar un instrumento supe que quería ser músico de tiempo completo; no hubo marcha atrás. En aquel entonces, a los 12 o 13 años, pensaba: "Quiero tocar el clarinete, pero también quiero tocar el bajo en una banda de punk". Al final, me decidí por la música clásica porque sentí que, irónicamente, era una forma más fácil de ganar dinero que salir de gira con una banda de punk. Sin embargo, sigo escuchando mucho punk rock. Después de eso, fui a la universidad, estudié ejecución musical y tuve maestros increíbles en el camino que reforzaron mi amor por la música. Los escuchaba tocar en la orquesta y me parecía algo increíble.
Esa es mi historia musical temprana. Recientemente, he tenido el privilegio de tocar en la Orquesta de Sarasota. He colaborado con el grupo desde 2010, oficialmente como miembro desde 2013. Antes de eso, estuve en la Filarmónica de Orlando y tuve otros contratos de un año, como con el Miami City Ballet. También realicé mucho trabajo independiente y viajes por todo el país tocando mi instrumento.
¿Qué te atrajo de Florida en particular?
Antes de mudarme a la Florida, había hecho una audición aquí para la Filarmónica de Naples para el puesto de clarinete bajo; quedé en la final y fui el segundo finalista. Esa fue realmente mi única experiencia viniendo a Florida, y la verdad no me importaba a dónde mudarme, solo necesitaba un trabajo. Surgió una posición de un año en la Filarmónica de Orlando que no habían podido llenar. Mudarse a Orlando desde el noreste fue un poco impactante para mí, principalmente porque estaba acostumbrado a ciudades mucho más grandes, a estar rodeado de gente y al transporte público. Pero debo decir que ese año en Orlando fue una educación increíble sobre cómo navegar la vida como músico profesional y en una orquesta profesional; aprendí lecciones valiosas. Creo que lo mejor de Orlando fue que allí conocí a mi esposa, así que siempre será algo especial.
Luego, al llegar a Sarasota y ahora aquí en USF, no diría que alguna vez pensé: "Oh, tengo que vivir aquí". Simplemente he estado donde la música me ha llevado y donde ha habido una vacante. Hay cosas interesantes y belleza en todas partes. Cuanto más tiempo paso aquí —especialmente en la costa oeste de Florida— más aprecio la oferta cultural que tenemos, ya sean museos, universidades, compañías de ballet, de ópera u orquestas sinfónicas. Es increíble que a una hora de distancia existan dos orquestas de tiempo completo: la Orquesta de Sarasota y la Orquesta de Florida. Creo que vivimos en una comunidad especial con mucho apoyo a las artes.
Cuéntanos sobre tu trabajo aquí en la Universidad del Sur de Florida.
He enseñado en USF desde 2010 y mi labor aquí definitivamente ha evolucionado. Comencé enseñando clarinete originalmente y luego pasé varios años en el Honors College, con el cual sigo involucrado. Recuerdo mi primer semestre; creo que había 9 o 10 estudiantes de la licenciatura en clarinete. Actualmente, tenemos entre 22 y 24 estudiantes. Siempre me cautivó el excelente profesorado y la rica historia de las artes en USF, y sigo asombrado. Por ejemplo, cada vez que voy a una exhibición de maestría en el Museo de Arte Contemporáneo de USF, pienso: "Vaya, están pasando cosas increíbles aquí". Mi esposa y yo vamos a conciertos de danza y producciones de teatro. Se está realizando un trabajo excelente aquí, dentro de la comunidad artística y en la USF.
Enseño clarinete aplicado, desde licenciatura hasta posgrado. También imparto algunos cursos en el Honors College. Este semestre enseño un curso de autodescubrimiento llamado "10,000 Horas: Coraje y Determinación". Les digo a los estudiantes el primer día: "Esto se trata de los sentimientos". También lo comparó como “Estamos en una búsqueda de visión, tratando de descifrar qué queremos hacer en la vida y cómo nuestra historia y experiencias impulsarán eso.” Además, enseño otro curso divertido: "Historia de la Música Electrónica". Es una visión general que abarca desde lo clásico hasta lo vanguardista y el EDM moderno.
Pero mi parte favorita es ver el desarrollo de los estudiantes de clarinete; observar cómo entra alguien en primer año y en qué se convierte al graduarse. Les digo a mis estudiantes que no estoy aquí solo para enseñarles clarinete, sino para ayudarles a ser mejores músicos. Estoy sumamente orgulloso de los graduados en educación musical, porque emprenden carreras docentes maravillosas, y de aquellos que combinan la música con otra carrera; algunos van a la facultad de medicina o se convierten en ingenieros, pero conservan ese amor por la música y siguen involucrados, tocando en ensambles comunitarios o dando clases. También estoy orgulloso de los estudiantes de ejecución que han obtenido títulos de posgrado, ganado empleos y ahora enseñan en universidades, tocan en orquestas o en bandas militares. Después de estar aquí un tiempo, es muy grato ver lo que logran tus alumnos y cómo crecen.
Y si puedo decir una última cosa, como profesor, debemos realizar investigación y trabajo creativo y académico. Lo estándar para un ejecutante es lanzar grabaciones, tocar en la orquesta y hacer música de cámara. Sin embargo, cuanto más tiempo paso en esta profesión, creo que la verdadera creatividad reside en la pedagogía y en ver esos resultados en los estudiantes.
¿Crees que el proceso de ayudar a los estudiantes a evolucionar ha cambiado tu propia práctica interpretativa?
Absolutamente. Es una de esas cosas en las que, cuando estoy practicando y me frustro con algo, o hay un pasaje difícil, literalmente me detengo y me digo en voz alta: "Ok, esto es lo que les dices a tus alumnos. No te frustres". A veces tengo que dar un paso atrás y pensar: "¿Cuál es el plan? ¿Entraste a esta sesión de práctica sin un plan? Y si fue así, ¿por qué hiciste eso, Calvin?". Honestamente, creo que enseñar me ha ayudado a mantenerme honesto conmigo mismo y con mi preparación. Cuando les digo a los estudiantes: "Necesitan hacer X, Y y Z para preparar esto", yo tengo que hacer exactamente lo mismo. Y sí, definitivamente refuerza eso bastante; me mantiene honesto.
Mencionaste el trabajo académico en el que debes trabajar como profesor. Cuéntame sobre el proyecto que has desarrollado durante el último año.
Sí, finalmente está llegando a su fin. Actualmente estoy terminando la edición y masterización de mi próximo proyecto, que se titulará cariñosamente "Finding Equilibrium" (Encontrando el equilibrio). Se basa en una de las piezas del disco de Roger Zare, la cual comisioné junto con otros 15 clarinetistas bajos. Es para clarinete bajo y cuarteto de cuerdas, y trata sobre su búsqueda del equilibrio al correr sus primeros 5 kilómetros. Es una pieza interesante que resuena conmigo, porque como alguien que hace mucho ciclismo, corre y hace senderismo, me enfoco mucho en el proceso.
La otra pieza es el "Concerto for Clarinet" de David Maslanka, que tuve la oportunidad de interpretar el año pasado con el Ensamble de Viento de USF, del cual fuiste parte. Hicimos una sesión de parches (patch session) para eso y la grabación suena genial. Debo decir que cuando se la puse a mi esposa recientemente, subió el volumen y dijo: "¡Vaya, los clarinetes suenan de maravilla!". Estoy muy orgulloso de cómo sonó la sección de clarinetes en esa grabación.
¿Podrías aclarar qué es una sesión de parches para quienes no lo sepan?
En todas mis grabaciones, ya sea en mi primer CD o en el CD recopilatorio de la música de Max Lifchitz para North/South Recordings, grabamos el concierto. Si tienes la suerte de tener más de una función, usualmente puedes grabar dos o tres conciertos y luego los revisas sistemáticamente para notar dónde alguien tose, o dónde se caen programas y bolsos, y luego editas eso usando fragmentos de las otras noches.
Pero con el ensamble de viento solo hubo una función. Al día siguiente, tuvimos una sesión de grabación donde el ingeniero y yo escuchamos todo y dijimos: "Ok, necesitamos repetir de aquí a acá porque las flautas y los oboes estaban ligeramente desafinados". O: "Necesitamos esta parte porque alguien tuvo un ataque de tos". O, aunque no lo creas, en una sección hermosa y muy silenciosa del primer movimiento, alguien estaba cerrando el cierre de su mochila.
Entonces, esas cosas se pueden eliminar mediante la sesión de parches. Aunque ocasionalmente hay cosas que no se pueden quitar. Hicimos lo mismo con la pieza de Zare: grabamos el ensayo general y luego el concierto. En ambos casos, me enorgullece decir que usamos probablemente el 90-95% de la grabación en vivo; lo que tuvimos que editar fue simplemente por esas razones.
Alguien tosía o, en el caso de Maslanka, en un punto silencioso dentro de una sección bombástica, se escucha a alguien tirar una sordina, así que tienes que empalmar eso con un poco de silencio. La mayoría de las orquestas sinfónicas hacen eso. Las orquestas profesionales graban las funciones de viernes, sábado y domingo y las editan juntas para un lanzamiento con una discográfica importante. Y si hay algo que no logran captar del todo, entonces realizan una sesión de retoques. Es una práctica de grabación bastante habitual.
Para la edición, ¿trabajas con un ingeniero o te encargas tú principalmente?
En mi primer disco, yo mismo edité el concierto de Joseph Hallman porque, de nuevo, fue una interpretación en vivo con sesión de parches. Hice toda la edición en Pro Tools. Las otras dos piezas fueron grabadas por John Stephan de Springs Theater. En este disco actual, John Stephan grabó el concierto de Maslanka y Dan Byers, nuestro ingeniero de grabación de la Orquesta de Sarasota, grabó la segunda pieza de Zare con ensembleNewSRQ.
¿Podrías hablarnos sobre la publicación? Sé que aún no decides el sello discográfico, pero ¿cómo es el proceso de elección, promoción y creación física del producto?
Si, eso es otro tema. Para los profesores universitarios y muchas personas que quieren publicar su trabajo y decir: "Mira, esta es mi investigación y obra publicada", debes elegir una empresa que tenga la mejor distribución y marketing para asegurar que sea reseñada. También en cuanto a la distribución, ¿lo están subiendo a todas las plataformas de streaming? ¿Lo están enviando a las estaciones de radio? Envías una propuesta a diferentes discográficas. A veces dicen: "No nos interesa". Otras veces dicen: "Nos interesa, esto es lo que costará nuestra parte y cuánto debes invertir tú". Realmente se reduce a qué es lo que mejor se adapta a ti.
Y he hablado con varios sellos y actualmente estoy entre dos. Ahora se trata de ver qué hay en el contrato, cómo lo van a comercializar, a quién se lo enviarán y dónde tendré el mayor alcance. También en cuanto al diseño del álbum y el diseño gráfico; ese panorama también está cambiando.
La mayoría de estas empresas lanzan versiones solo digitales porque el formato físico, aunque me encanta —soy un gran entusiasta y colecciono CDs y vinilos—, no todos quieren producirlo. Las empresas con las que he hablado han aceptado un lanzamiento digital y una edición muy limitada en vinilo, principalmente para regalar a las personas involucradas en el proyecto. Me encanta escuchar discos en vinilo. Es una experiencia increíble porque, cuando pones la aguja en el disco, te sientas a escucharlo de principio a fin, como el artista lo planeó, sin saltar de pista en pista.
Es un proyecto que ha sido muy divertido e intenso de organizar. El estrés adicional es si logras obtener suficientes fondos de becas. Estoy muy agradecido con la Universidad del Sur de Florida y Research One, porque si no fuera por la inversión de USF en el profesorado para ayudarnos a publicar obras creativas y académicas, sería un esfuerzo increíblemente costoso. Por ejemplo, ¿en qué otro lugar podrías tener la experiencia de tocar ese concierto con un ensamble de viento, trabajar con colegas, tener todo el tiempo de ensayo que quieras y presentarte en una sala tan buena como nuestra sala de conciertos? Así que hay muchos elementos que intervienen en el proyecto, y la USF ha sido excelente al brindar su apoyo; por ello, estoy muy agradecido.
Creo que muchos oyentes de WSMR pueden identificarse con ese punto sobre estar presente y escuchar algo plenamente, como cuando se pone un vinilo o se escucha la radio.
Totalmente. Hace un par de semanas, estuve interpretando el Quinteto de Brahms en Wilkes-Barre y Scranton, Pensilvania, con la Sociedad de Música de la Cámara del Noreste de Pensilvania. Para prepararme, escuché mi grabación favorita, que es la de Richard Stoltzman con el Cuarteto de Cuerdas de Cleveland. La tengo en CD y en vinilo y la puse una y otra vez. Siento que hay ciertas cosas que debes escuchar en una sesión específica. Tengo otra grabación excelente de la cuarta de Brahms con Szell y la Orquesta de Cleveland que no te deja levantarte del sofá. Es una grabación de Szell con la Orquesta de Cleveland de la Cuarta de Brahms; absolutamente increíble. También una de mis favoritas es el Concierto para Violín de Tchaikovsky con Heifetz y la Sinfónica de Chicago.
Hay muchas de estas grabaciones que tienen un sonido especial, tienen vida. Parte de eso es que fueron grabadas de forma analógica, lo que ofrece un sonido muy real y natural; es una experiencia única. Esto también se extiende al rock. Cuando escucho el álbum "Purple Rain" de Prince, lo escucho completo, tal como fue concebido. Lo mismo ocurre con "Street Songs" de Rick James o "Dark Side of the Moon" de Pink Floyd.
Siento que hay una experiencia particular al escuchar un disco, pero también imita a una interpretación en vivo. Especialmente en una época en la que solo escuchamos fragmentos en Instagram y TikTok, donde solo tienes un minuto de cualquier canción, es increíble poder bajar el ritmo y escuchar de verdad.
En viajes largos por carretera, cuando salgo del área de transmisión de WUSF y WSMR, uso la aplicación en mi teléfono. Lo estoy escuchando, y ya puedo ponerme en camino. Cuando toco en la Ópera de Des Moines en el verano, puedo estar en medio de Kentucky o Missouri conduciendo y escuchando música clásica. Tener esa experiencia es muy importante ahora que todo se resume en fragmentos cortos de audio. Ser capaz de bajar el ritmo de verdad y simplemente escuchar las cosas con atención.
¿Hay presentaciones próximas con Sarasota o con otros grupos del área que debamos esperar?
Tenemos una gran colaboración con el Ballet de Sarasota a finales de abril; estamos muy entusiasmados. Hay un par de obras geniales de Glazunov en ese programa. Y también tenemos música de cámara con la serie Chamber Soirée.
Además, estoy involucrado con ensembleNewSRQ; en un par de semanas tocaremos "Music for 18 Musicians" de Steve Reich, lo cual será genial. Será en la Ópera de Sarasota. También estrenaremos una nueva ópera con ensembleNewSRQ, dirigida por Peter Sellars, a mediados de mayo, igualmente en la Ópera de Sarasota. Entonces esas serán unas obras divertidas que vienen.
Es un momento emocionante en la orquesta con Giancarlo (Guerrero, Director Musical de la Orquesta de Sarasota) para la próxima temporada; se ve increíble. Te lo pongo de esta manera: tuvimos un concierto con boletos agotados. La pieza central era la Sinfonía de Cámara de Schoenberg, que me parece una obra maestra. A algunas personas no les gusta la música contemporánea o el serialismo de 12 tonos, pero debo decir que en esa función el público estaba cautivado y se puso de pie en cuanto terminamos.
Él tiene una forma de explicar las cosas al público que realmente los hace sentir parte de esta experiencia compartida, lo cual es fundamental. ¿Por qué vamos a conciertos en vivo? Queremos ser parte de esa experiencia compartida. Así que, si, hemos tenido funciones magníficas y hay otras excelentes por venir.
Esta entrevista ha sido editada para mayor claridad y brevedad.
Esta nota de WUSF se tradujo del inglés al español utilizando una herramienta de inteligencia artificial generativa. Un periodista de WUSF informó y produjo la nota original. Miembros bilingües de WUSF editaron, actualizaron y verificaron la precisión de la traducción. Si tiene preguntas o inquietudes sobre el uso de IAG para este proyecto, comuníquese con Mary Shedden a shedden@wusf.org.
